Recension: Beverly Kills – Elegance in a State of Crisis

beverly

Göteborgarna i Beverly Kills har efter en lång rad singlar nu blivit med EP (ute nu via Welfare Sounds and Records). Popkänslan från de tidiga singlarna får här stå tillbaka för den svärtade postpunken. Även om materialet är genomgående starkt saknar jag ändå knäckande fullträffar som pop-mästerverket ”Dreamless” (2018). De hittar en gyllene mellanväg på skimrande, råcoola ”A Scarlet Night”, vars vemodiga, snygga refräng låter som något Jocke Berg kunde ha skrivit runt 2005. En annan höjdpunkt är avslutande ”Seven Sisters”. Här lyckas de med bedriften att låta både hypnotiska och malande och melodiösa. Och här, precis som på övriga plattan, briljerar gitarristen John Jonsén. Ge honom en gitarr och han kommer med lätt hand att skildra ilska, bottenlös sorg, eufori och gnagande frustration eller vilken annan känsla du råkar känna. I honom hör man Johnny Marr, Robert Smith, Sami Sirviö och Anders Göthberg, och att övriga han spelar med, Alma Westerlund (sång, synth), Viggo Mattsson (bas) och Hampus Höggren (trummor), också är snortajta gör inte saken sämre.

Betyg: 8/10

Bästa låt: ”A Scarlet Night”

Om ni gillar detta: Kent – The Hjärta och Smärta EP, Agent BlåMorning Thoughts

Ny låt: PREMIERE – MOTIVATION

Motivation cover

Få svenska plattor från i fjol älskade jag lika besinningslöst som svenska Premieres debut-ep. För någon som jag, som bittert saknar det svenska 00-talets (baleariska) indiescen, var de en skänk från ovan. Inte sedan The Tough Alliances, Studios och genialiska och förbisedda Boat Clubs glansdagar runt 2004-2007 hade vi bjudits på indiepop lika klubbigt rytmisk som otröstligt melankolisk. Jag var lyrisk och jag hade all anledning att vara det. Jag placerade deras ep på en fjortondeplats på listan över årets bästa plattor, men det var snålt. Den är bättre än så.

Jag bad till högre makter att de inte skulle bli ett nytt Boat Club – alltså, släppa en felfri ep och sedan försvinna bort och aldrig släppa en ton igen. Nu skriver vi april 2020 och Premiere är redan tillbaka. Mina farhågor blev aldrig verklighet. ”Motivation” är en naturlig fortsättning på soundet de etablerade i fjol. Den här gången är dock beatsen aningen hårdare, klubbkänslan snäppet mer påtaglig. Men den orubbliga melankolin är kvar och den mollstämda melodislingan som rinner genom låten är en av deras starkaste. Vidare är ”Motivation” ett rejält styrkebesked och ett imponerande bevis på att fjolårets ep inte var en lyckträff. Premiere är alltjämt landets intressantaste indieband, och Motivation årets hittills bästa svenska indiedänga.

Lyssna här:

Bäst just nu, övergången mars-april 2020

Mars kom och gick och mer än lite fokus låg på den rådande (pågående) apokalypsen. Månadens bäst just nu sköts ideligen på framtiden. Men nu är den här, och den täcker också upp aprils första dagar. Varsågoda.


Roya – Pulse (album)

– Den amerikansk-iranska stockholmsbon Roya är tillbaka med ett nytt album. Förstasingeln, den malande, body-doftande ”Blood”, lovade gott – och albumet levererar. Inledande ”Constant” tillhör höjdpunkterna. Ett frenetiskt, elektroniskt beat och kyliga atmosfärer omsluter verserna innan låten lyfter i refrängen. Gotiska stämningsstycket ”Thousand Needles” är en annan höjdpunkt. Där är tempot betydligt lägre, men närvaron är lika påtaglig som alltid. Här hörs tidiga Cocteau Twins och Roya visar upp sin lika sensuella som eteriska röst.

Och det är i dessa ljudvärldar hon verkar och trivs i. Någonstans i gränslandet mellan den mest drömska gothen och tung body rör hon sig, med känsla för både dynamik och melodier. Inspirerande!

Betyg: 8/10

Bästa låt: ”Thousand Needles”

Om ni gillar detta: Cocteau Twins – Garlands

 

The Weeknd – ”In Your Eyes

– Albumet After Hours är ojämnt, men inte alls dumt. Abel Tesfaye är fortfarande en hedonistisk goth-version av Michael Jackson (en influens som många stunder blir extremt uppenbar), med en stundtals utmärkt fallenhet för melodi och atmosfär. Bäst på plattan är pop-pärlan In Your Eyes. Hade nyss nämnda popkung sjungit i a-ha på 80-talet hade det låtit exakt såhär. Vi snackar alltså moll, överväldigande 80-tals-känsla och en fenomenal soul-möter-synthpop-hybrid. Och då har jag inte ens nämnt saxsolot… Årets hittills bästa poplåt? Sannolikt.

 

Sole – ”Är jag människa

– Efter två singlar på engelska går Sole Gipp Ossler nu över till att sjunga på svenska, och i samma veva ger hon oss sin bästa låt hittills. ”Är jag människa” är jazzigare än något hon släppt tidigare, och är samtidigt en hudlös och modig uppgörelse med henne själv och hennes egen otillräcklighet. Soles engelska texter var tveklöst bra, men hon når så långt djupare när hon skriver på svenska. Nu finns det ingenstans att ta vägen, vare sig för henne eller för oss som lyssnar. Hennes såriga vädjan om kärlek skär rakt igenom varje lager och man kapitulerar. Extra plus i kanten för Soles tajta kompband (här bestående av Pelle Ossler, Henrik Meierkord, Conny Städe och Zackarias Lindskog), som sveper in hennes sång i glittrande svart doomjazz. Tätt sluten i verserna, luftig och klar i refrängerna.

 

Ruby Haunt – ”Sunbelt

– Är det sadcore? Är det dream pop? Jag vet inte. Men jag vet att nya singeln Sunbelt är en nära tio minuter lång uppvisning det de gör bäst: sorgsen, mycket drömsk musik för småtimmarna.

 

Christian Hede – ”Vi to er ens”

– Danske 482 MHz-favoriten Christian Hede är i morgon fredag tillbaka med ny singel. Den här gången har den europablues han så väl behärskar fått stå tillbaka för en skör akustisk ballad. ”Vi to er ens” återkopplar, åtminstone musikaliskt, till Hedes förflutna som Bellhound Choir, det engelskspråkiga folk-blues-projektet han hade under några år. Men ”Vi to er ens” slår hårdare och djupare än det mesta annat han gjort. Han släpper på masken och sjunger naket om smärtsam förlust och kampen för det liv som finns kvar. Texten har politiska undertoner, men Hede zoomar in på den lilla människan och är humanistisk snarare än politisk.

Recension: Hilary Woods – Birthmarks

hilary

Den irländska singer-songwritern Hilary Woods har sedan sin tid som basist i indiebandet JJ72 släppt ett soloalbum och två ep:s i eget namn. På förra solalbumet, Colt (2018), tog hon många steg från JJ72 och utvecklade i samma drag det sköra folksound hon presenterade på de båda ep:na till något helt nytt. Något mörkare, mer experimentellt. På nya albumet Birthmarks, släppt 13/3 på lysande Sacred Bones, är hon närmare att fullända sitt sound än hon någonsin varit innan.

Den ack så hippa musiksajten Pitchfork kallar skivan för ofokuserad och jag förundras. Enhetligheten och fokuset är min mening snarare slående. Woods är en mästare på karg, råkall och närmast paganistisk folk och blandar detta, perfekt avvägt, med ambientindustriella ljudexperiment, bestående av field recordings och analoga synthar. De båda uttrycken flyter ihop, överbryggar varandra och det sker sömlöst. Öppningsspåret ”Tongues of Wild Boar” (för övrigt en av årets tre bästa låtar) är det perfekta exemplet på hur Woods bäst sammanfogar uttrycken. Den låten är lika mycket PJ Harvey anno White Chalk som den är Sällskapet. Ett annat strålande exempel är ”Through the Dark, Love”. Låten inleds med vad som närmast kan beskrivas som power electronics, för att sedan glida över i ödslig folk. Stundtals låter hon rent förhäxande. Apokalyptiska ”The Mouth”, med sitt tunga, släpande beat och sin knastriga, processade elektronik, är plattans mäktigaste stund. Att den mynnar ut i industriexperimentet (och klockrent döpta) ”Cleansing Ritual”, som i sin tur leder till skivans sista spår, ”There Is No Moon”, visar på Woods träffsäkerhet. Genom de två förstnämnda spåren färdas vi genom en renande skärseld innan vi lättade och lättare kommer ut på andra sidan. Himlen ovan må vara tom, men luften är ren.

Betyg: 9/10

Bästa låt: ”Tongues of Wild Boar”

Recension: Bright Eyes nya singel Persona Non Grata

brighteyes

Ända sedan omkring årsskiftet, när bandet plötsligt visade livstecken på sociala medier, har man gått och väntat. Väntat på Bright Eyes nära förestående comeback. Senast vi hörde från bandet var 2011 då de släppte sitt sjunde album, The People’s Key. Conor Oberst har visserligen varit aktiv sedan dess, och släppt skivor i eget namn, med Desaparecidos och med Better Oblivion Community Center, men inget har riktigt nått upp till Bright Eyes mytologiserade nivåer (även om soloskivan Ruminations var nära).

Det är ju något alldeles speciellt med Bright Eyes. Folk i min generation har vuxit upp med dem. Conor är född 1980, jag själv -85. När alla vi sköra, vilsna och av världen nedtyngda åttiotalister i vår ungdom gick igenom våra kriser gjorde Conor det också. Och när han släppte plattor om det fick vi någon i vår egen ålder som (i närmast realtid!) sjöng om våra sorger och våra sår på ett språk vi kunde ta till oss. Och när Conor åldrades gjorde vi det också. Musiken blev mindre direkt, fick fler lager. Lyriken likaså. Ångesten försvann aldrig, blev på ett sätt aldrig lättare, men den tog sig nya uttryck. Blev mindre svartvit. Precis som i livet självt. Bara 2016 års Ruminations påminner om det där tidigaste Bright Eyes-uttrycket. Där är musiken rak, avskalad. Lyriken blottar själens allra innersta plågor. 2016 genomled jag ett på det personliga planet uselt år, och Ruminations passade lika fint då som Fevers and Mirrors gjorde när jag först hörde den, i början av 00-talet.

Bright-Eyes
Foto: Shawn Brackbill

Och nu är Bright Eyes alltså tillbaka. I dessa närmast apokalyptiska kristider man väl aldrig trodde att man skulle behöva uppleva. Och som vanligt är Conors och Bright Eyes tajming klanderfri. ”Persona Non Grata”, utgiven idag via Dead Oceans, är en pianobaserad ballad av klassiskt BE-snitt. Den hade låtit fullt rimlig på nästan vad som helst som bandet släppte under mitten av 00-talet. Varje ny Bright Eyes-skiva känns som en reaktion på den som kom innan. 2011 års The People’s Key blandade elektronik med gitarrer och svårdechiffrerade texter. Om den organiska, djupt personliga ”Persona Non Grata” är något att gå på kan vi den här gången vänta oss en betydligt vemodigare och jordnära skiva. För jordnära är låten, med sin tidlösa folkmelodi och klassiska instrumentering. Och vemodet går inte att värja sig mot – vare sig i melodin eller i texten om försoning, syrlig självkritik och hängivelseVad som vidare förstärker både vemodet och den jordnära känslan är säckpiporna som dyker upp vid ett par tillfällen. Conors keltiska arv får här lov att ta plats och de spelar en melodi så vacker att den kan ta knäcken på vem som helst.

Den inbokade världsturnén är satt på standby tills vidare, men bandet hälsar i ett pressmeddelande att de kommer att släppa ett album i år alldeles oavsett. Betryggande, säger jag. ”Persona Non Grata” är ett fantastiskt styrkebesked från ett band jag bittert saknat, och ett BE-album är precis vad vi behöver i år.

Lyssna här:

Recension: Morrissey – I Am Not a Dog On a Chain

mozdog

Efter några år av rabalder och kontroverser är han nu äntligen tillbaka – barden från Stretford, ”the real poet laureate”, Steven Patrick Morrissey. Tolfte soloalbumet i ordningen är det (trettonde, om man räknar fjolårets coverplatta California Son) – och det är hans bästa på länge. Mycket länge.

Trots flera höjdpunkter på vardera skiva tillhör hans två förra album med eget material, World Peace is None of Your Business och Low in High School, i min mening hans absoluta bottenskikt. När de två första singlarna inför nya albumet släpptes var jag i det närmaste övertygad om att ett nytt stolpskott var på gång. Jag tyckte inte om dem – i synnerhet inte ”Bobby, Don’t You Think They Know?”. Jag har varit ett troget Morrissey-fan sedan åtminstone någon gång runt 2002-2003. Jag har varit med i medgång, som den makalösa peaken runt 2004-2006, och i motgång (vilket i princip innebär hela 10-talet). Jag har kritiserat honom, men till syvende och sist har jag varit lojal. Han har betytt (och betyder) för mycket. Att nivån på singlarna visade sig på intet vis vara representativa för skivan innebar därmed för mig en glädje jag inte alls hade räknat med.

Redan vid första spåret börjar jag starkt misstänka att det kan vara något stort på gång. Trots en del väl cyniska textrader (något som tyvärr blivit alltför vanligt i Morrisseys tidigare så varma lyrik) är ”Jim Jim Falls” något av det musikaliskt mest intressanta som Morrissey släppt på mycket länge. Elektroniken, den tunga atmosfären i verserna och det malande drivet gör den till en släkting i rakt nedstigande led till 2006 års mästerverk ”Life is a Pigsty”. Spår två och tre, singlarna ”Love is On It’s Way Out” respektive ovan nämnda ”Bobby…”, har jag redan skrivit mycket om (här och här). Titelspåret, sedan, är ett slags lekfull 60-tals-pastisch, med en text om hur Morrissey är en modig fritänkare och sanningssägare och alla andra är får. Den kommer inte att bli ihågkommen som en av hans mest klassiska låtar. Det är dock vågat av honom att lägga skivans tre sämsta låtar efter varandra – dessutom så tidigt på skivan. Men sedan blir det genast bättre.

What Kind of People Live in These Houses?” är den enda låten på skivan som låter som gamla klassiska, jangliga Moz. Den har skivans klart starkaste melodi, påminnande om den klassiskt engelska gitarrpop som Alain Whyte skrev runt 1994-1997. Dessvärre lider texten av den där onödigt kalla cynismen och en misantropi utan glimten i ögat som fanns hos Moz mest misantropiska lyrik förr, vilket stoppar låten från att bli en av skivans verkliga höjdpunkter, men med lite tid kan den växa ytterligare. ”Knockabout World” är ännu en fin poplåt, men mer orkestral och med mer elektronik. Och stark är den, och här visar sig äntligen den kärleksfulle Moz. ”You’re okay by me”, sjunger han och hjärtat mitt smälter lite grann.

mozfine

De senaste åren har Morrissey varit märkligt fixerad vid sex och den här plattans ”sexlåt” heter ”Darling, I Hug a Pillow”. Tidigare har han sjungit om ”shaven caves” och om hur han vill att kärleksintresset i fråga i princip ska sätta sig på hans ansikte. På ”Darling…” är han betydligt mer subtil och inte alls lika ekivok. ”Why can’t you give me some physical love?” undrar han, och förklarar hur han, på grund av sin tilltänkta partners irriterande frånvaro/avhållsamhet, i frustration tvingas krama en kudde. Det är inget melodiskt underverk, men en följsam, varm historia som är lätt att tycka om. Ännu intressantare blir det på mästerliga ”Once I Saw the River Clean”. Inte heller den förlitar sig på en stor melodi, men väl på en djupt personlig text, ett suggestivt elektroniskt driv och en fantastisk stämning. Rader som ”I walked with my grandmother/Cornbrook Street, where incomplete/She would never be again/A Dublin dancer, free and young” är bland de mest drabbande och mest personliga han skrivit på en herrans massa år. Slut ögonen och det är tidigt 70-tal, strax söder om Manchester.

Pianot i introt till nästa låt, ”The Truth About Ruth”, är ett slags återanvändning av pianot i ”In Your Lap”, från Low in High School. Föga förvånande då musiken i de båda låtarna är skrivna av Gustavo Manzur, den stora belastningen i Morrisseys band. Manzur har förstås också skrivit både ”Love Is On It’s Way Out” och ”Bobby…”. ”The Truth About Ruth” är dock bättre än båda dessa, men framförallt tack vare texten (musikaliskt har den egentligen ingenstans att ta vägen). Morrissey har alltid varit en feministisk förkämpe och alltid lyft fram trans-, queer och androgyna personer (som Lypsinka, Jobriath, Wayne County, Klaus Nomi, New York Dolls osv.), men sällan eller aldrig har han öppet sjungit just för dem – men nog är det väl det han gör nu? ”Ruth is John”, sjunger han, och fortsätter: ”The life you lead, straightforward and bland/Everything happens according to plan/But some people fight just to take root/In a world ill-equipped for the truth about Ruth”. I tredje versen blir det än tydligare: ”Oh, bully for you, oh, bully for you/Your groin and your face, they slip right into place/So masoned and carved, your arrow is drawn/You know who you are, yet you have no idea”. Vi som fötts med rätt kön har det väl förspänt, men för alla andra blir livet till en livslång kamp för att överhuvudtaget få känna att de har en plats någonstans. Morrissey hårdrar det förstås, och utanförskap kan många känna, men där finns ändå en viktig poäng. Men givetvis är detta inget som media kommer att skriva om eller lyfta fram.

Skivans längsta låt är den nära åtta minuter långa ”The Secret of Music”. En märklig låt, som man vid första anblick kan tycka är onödigt lång. Den pågår, hypnotiskt, rytmiskt,  nästan psykedeliskt, och man förstår till en början inte riktigt varför eller vart den är på väg, men efter några lyssningar känns det behagligt. Jag vill inte ur den där hypnosen. Texten är lika märklig, men med näsan i texthäftet vecklar även den ut sig efter ett antal lyssningar. Rader som ”Fat bassoon/Clear as the moon/But nothing now can take away my gloom/Triangle/Fiddle Stradivarius/I’d like to cause a fuss” är bland mest poetiska på skivan. Likaså ”Bom, bom, bom, the drum/Cymbals symbolize your mind/I think that you should cry/Classical guitar/Lover new, oh yes, you are/Pan pipes save a life/No angelic flute/Can F hold/A harping soul?/Each song ends with a gong”. Ett vågat uttryck, på ett sätt man inte hört sedan låtar som ”The Teachers Are Afraid of the Pupils”.

Skivan avslutas sedan med den vackra halvballaden ”My Hurling Days Are Done”. Precis som i den fantastiska ”Once I Saw the River Clean” återbesöker Morrissey här barndomen. Han konstaterar hur tiden obönhörligt skördar vilka offer den vill och att det snart är hans egen tur. Han släpper på garden och minns hur modern och en nallebjörn utgjorde och symboliserade hans första uppfattning om tid och förgänglighet. Det är en drabbande låt, där den snart 61-åriga ikonen ser slutet på både livet och karriären. Morrissey sjöng om sin egen död redan 1985, som 26-åring, på Smiths-b-sidan ”Asleep”, och har sedan dess återbesökt ämnet på i stort sett varje album (den fysiska döden, men också den konstnärliga). Men nu, efter perioder av hälsoproblem och pariastatus i media, känns det svårare att slå det ifrån sig. Morrissey själv har aldrig påstått att detta skulle vara hans sista skiva, men om det är det lämnar han oss verkligen med fanan högt.

Betyg: 8/10

Bästa låt: ”Once I Saw the River Clean”, ”Jim Jim Falls”, ”My Hurling Days Are Done”

Om ni gillar detta: Morrissey – You Are the QuarryMorrissey – Southpaw Grammar

Recension: Meipr – Kolekto

kolekto

Svenska dark ambient-mästarna Meipr (Peter Josefsson och Henrik Meierkord) följer upp sina bägge lysande fullängdare Egalité och Egalecto med den lika lysande samlingsplattan Kolekto. Kolekto är bandets första släpp på cd (tidigare har de bara gett ut sin musik digitalt och på kassett). Kolekto samlar guldkorn från de båda fullängdarna, outgivet material och outtakes från albumsessions.

I dessa kristider behövs ett soundtrack. I min bok är få band bättre beskaffade för detta än Meipr. Med den geniala kombinationen av brännhet elektronik och djupt olycksbådande stråkar målar de upp en värld i kris och i brand. Med samhällsläget av i dag som fond blir lyssningen både skrämmande och trösterik. Skrämmande för att Meiprs musik inte längre känns som endast konst, trösterikt för att det alltid är ack så betryggande att kunna spegla sig och sin omvärld i just konsten. Kan man det är man aldrig ensam. Lyssna bara på sci-fi-balladen ”Sommersonne”, den mäktiga ”Schlangenbisse” eller den totala ödsligheten i tidigare outgivna fullträffen ”Doux”.

Ska man klaga på något är det väl att skivan, trots sina tio spår, känns lite för kort. Men det där är en bagatell, kanske till och med inbillad.

Vare sig ni sitter i karantän, är ute bland ödeläggelsen, eller lever precis som vanligt rekommenderar jag denna skiva. Lyssna och ni kommer att förstå.

Betyg: 9/10

Bästa låt: ”Schlangenbisse”, men kan lika väl välja en annan.

Om ni gillar detta: Meiprs båda andra album

Tre recensioner, 2020-03-15


 

Human ImpactHuman Impact

– I nya bandet Human Impact samlas medlemmar från legendariska New York-band som Cop Shoot Cop, Swans och Unsane – och det låter därefter. Vi pratar naturligtvis industrirock indränkt i Hudsonflodens slam, metalliska klanger och tuggande köttkvarnsgitarrer, och texter om ett samhälle i fritt fall. Men tro nu inte att det är gasen i botten som gäller. Icke. På Human Impacts debutalbum finns också ett slags vredgat vemod, minnande om 482 MHz-favoriter som Have a Nice Life, och stundtals även en postindustriell experimentlusta. Här finns också låtskriveri och ett ypperligt musicerande. Lyssna på höjdpunkter som ”Cause” och ”November”. Lyssna på Chris Pravdicas skorrande, sträva bas. På Phil Puleos åskoväderstrummor. Lyssna på allt. Detta är ett av årets bästa album.

Betyg: 9/10

Bästa låt: ”Cause”

Om ni gillar detta: Swans – Holy Money


Then Comes SilenceMachine

– Singeln ”We Lose the Night” lovade ju så gott. I min recension kallade jag den för ”en klassisk, tidlös goth-dänga som alla med minsta smak för den mest svärtade formen av postpunk lär älska” – och det står jag för. Det är en bra låt. Den inleder det svenska gothbandet Then Comes Silences femte album, och förstår jag varför. För vad som följer är tio avsevärt sämre kopior. Vad som följer är tio låtar som alla går i samma tempo och som alla lider av samma tråkiga uppbyggnad: sega, långa transportsträckor till verser, som obrottsligt följs av melodramatisk/gapig refräng, och som tyngs ner av fläskiga gitarrer, en sångare med ett enda känsloläge (likgiltighet) och en total renons på melodi.

I pressreleasen pratades det om att plattan var mer rock än tidigare, men eftersom singeln ändå var såpass bra slog jag ifrån mig den oro jag initialt kände över detta. Tänkte att de med rock kanske menade Christian Death eller Fields of the Nephilim. Så var ej fallet. Machine låter i jämförelse mer Takida än FotN. Det är en bredbent, stabbig röra för alla som tycker att skinnbrallor, häftiga frisyrer och kajal är äkta gothrock.

Betyg: 3/10

Bästa låt: ”We Lose the Night”

Om ni gillar detta: Gå tillbaks i historien och lyssna på giganter som ovan nämnda Fields of the Nephilim, Sisters of Mercy, Killing Joke etc etc.


The Hanged ManAs the Tower Fell

As the Tower Fell är The Hanged Mans andra album och det följer upp den djupt suggestiva debuten Of Blood Is Full från 2017. Denna gång är tongångarna luftigare, med ett större fokus på popkänslan man på debuten mest kunde förnimma.

Att det skulle bli en sådan platta kunde man ana redan på fina singeln ”Good Dreams” i vintras. Där varvade Rebecka Rolfart & co The Cure med Kate Bush – och merparten av albumet går i samma anda. Inledande ”Turn” och ”Fall” är lysande, drömsk krautpop. ”Hasche” låter som en lite mer psykedelisk Jack Tatum (Wild Nothing). Även den låten släpptes som singel (och har också fått en fin video), men är inte lika stark som ”Good Dreams”. ”Stream of Life” känns som en uppdaterad version av The Cure anno The Head on the Door och låter samtidigt lika mycket pop som förhäxande pagan-psykedelia. Ska man plocka ut en ”grower” från skivan är ”Stream of Life” den givna kandidaten. Den tedde sig motsträvig och grå till en början, men för varje lyssning vecklar den ut sig och suger in en mer och mer.

Men plattan är inte bara pop i olika former. På droniga ”I Fell Off” – en av albumets höjdpunkter – hör man dels tidiga Hanged Man och dels, i de tunga gitarrerna, Sunn O))). En annan höjdpunkt, och ett slags musikaliskt syskon till I Fell Off, är Anna von Hausswolff-doftande ”No Faith”. ”No Faith” är också det sista vi hör innan skivan rundas av med det vackra och instrumentala ambientstycket ”Heaven’s Hole” – en komposition som Bowie och Eno knappast skulle sagt nej till när de 1977 spelade in mästerverket Low.

The Hanged Man har inte bråttom, men det börjar blir tydligare och tydligare att de är på väg att bli ett av Sveriges intressantaste alternativpopband. De låter inte popkänslan stå i vägen för mörkret och vice versa – och det är ett vinnande upplägg.

Betyg: 8/10

Bästa låt: ”I Fell Off” och ”Stream of Life”

Om ni gillar detta: The Cure – The Head on the Door (eller The Top)

 

Tre recensioner, 2020-03-07

Tre obskyra plattor ytterst få har hört talas om – men desto viktigare att lyfta fram dem. Eller hur? Varsågoda.


 

Micke Herrström SkelettVädret

– Micke Herrström är en av de producenter i Sverige med tyngst CV. Thåström-klassikern Det är ni som e dom konstiga det är jag som e normal? Herrström bakom spakarna. Osslers mäktiga trippel Krank, Ett brus och Stas? Samma sak där. Vidare kan även Fatboy, Ane Brun, Moneybrother och Kristofer Åström nämnas. Herrström är med andra ord en jävel på ljud. På detta hans fjärde soloalbum (men första under namnet Micke Herrström Skelett) är det tydligt att förmågan alltjämt hänger i.

Han har skrotat gitarrer och livetrummor och istället gått all in på tät, sluten elektronik. Soundet är ofta minimalistiskt och klaustrofobiskt, och bäst blir det på öppnaren och tillika titelspåret och efterföljande light-bodyn ”OCD”. En annan höjdpunkt är den schizofrena stalkerpärlan ”Isabel” (som också bjuder på en återanvändning av Billy Idols odödliga ”White Wedding”-riff). Där luckras också soundet upp en aning. Textmässigt rör sig Herrström kring sjukdom, död och samhällelig och personlig kollaps – men inte utan galghumor och glimt i ögat. Herrström bjuder också på en cover på/fri tolkning av The CuresA Forest”, som fått namnet ”In i en skog”. Musikaliskt är den snygg och lyckad, textmässigt klart godkänd, men samtidigt är jag betydligt mer intresserad av Herrströms egna kompositioner.

Skivan är knappt en halvtimme lång, men ändå känner jag att det skulle sitta fint med lite mer dynamik. Låtarna varierar i kvalitet, men inte så mycket vad gäller ton och sound. Till nästa gång vill jag ha mer av den varan, för på det hela taget är detta ett mycket spännande projekt.

Betyg: 7/10

Bästa låt: ”OCD”

Om ni gillar detta: Abu NeinI Will Rise EP


 

Keely ForsythDebris

– Den engelska skådespelerskan Keely Forsyth har släppt årets hittills bästa debut. Debris är sentida Scott Walker när han var som mest avskalad (Rosary, A Lover Loves, Blanket Roll Blues). Debris är Nico och hennes kolsvarta sorgesånger och Dead Can Dance kompade endast av ett fåtal akustiska instrument. Debris är ensamma tankar omslutna av ett vindpinat och kärvt nordengelskt klimat (Forsyth är född i Oldham, bosatt i Harrogate). Debris är också ett sätt att handskas med den särdeles svåra depression som Forsyth drabbades av 2017 – en depression som tog sig extrema fysiska uttryck och till och med gjorde henne förlamad i tungan. Musiken blev en väg ut ur detta. Akustisk gitarr, stråkar, här och var ett piano (elektronik finns med bara i undantagsfall), ramar in denna utsökta, mörka, samling avantgardistiska sånger – musikstycken som tillsammans verkar renande, som katarsis, och håller en i handen genom skuggorna.

Betyg: 9/10

Bästa låt: ”It’s Raining

Om ni gillar detta: Nico – The Marble Index


 

Deerest – Cochlea

– På västgötska Deerests (Linnea Talps) debutalbum samsas drone med mörk pop. Gitarrer med orglar. Tomrum med ljud som verkligen tar plats. Det är en imponerande debut, som starkt minner om Anna Von Hausswolff och vars stämning tränger sig in under huden på en – vare sig man vill det eller ej. Och precis som på ovan nämnda Keely Forsyths debut är stämningslandskapet på Cochlea vindpinat och rått. Molnen hänger lågt, existensen på en skör tråd. Sångerna är mäktiga och något att hålla fast i när det viner som värst omkring en. Vad som mer är mäktigt är Linneas röst. Hon är på god väg att sälla sig till vokala urkrafter som Nicole Sabouné och redan nämnda Von Hausswolff. Ingen dålig bedrift efter blott ett album.

Cochlea är alltså hennes första platta, men jag hoppas på fler och det snart. Detta är en karriär jag ser fram emot att följa.

Betyg: 8/10

Bästa låt: ”Deep Down/Soft Mind

Om ni gillar detta: Anna Von HausswolffDead Magic

 

 

Recension: Kjellvandertonbruket – Doom Country

Kjellvandertonbruket - ARTWORK

En av landets jämnaste och intressantaste singer-songwriters har blivit med sidoprojekt. Christian Kjellvander har slagit sig i lag med eklektiska jazzbandet Tonbruket och tillsammans har de bildat Kjellvandertonbruket.

Jag älskar sidoprojekt. I sidoprojekt tillåts de mest kreativa hjärnorna kasta sig in i sådant som de annars kanske inte får möjlighet att utforska, men som de ändå brinner ohejdat för. I Kjellvandertonbrukets fall är steget inte alltför långt från vad man annars är van att höra från dem – men samtidigt otvetydigt nytt och fräscht. Tonbruket har doppat fötterna i den amerikanska myllan förr och jazzen är ju deras livsluft. Kjellvander, med ett förflutet i USA, är skickligare än de flesta i det här landet på att göra americana lika karg som en Nebraska-åker i december. På Doom Country tillåts allt detta, Tonbrukets experimentella jazz och Kjellvanders karga americana, ihop med bluesen och countryn, att blandas, korsbefruktas och bilda nya ljud och uttryck. Med ett knäckande lyckat resultat.

Det är långsamt, det är väldigt amerikanskt och nedsänkt i en makalös skuggvärldsatmosfär. På första låten, ”Yacht in the Fog”, slungas man omedelbart in den där skuggvärlden. Till Tonbrukets lika delar skeva och kaotiska, lika delar djupt suggestiva doom-jazz reciterar Kjellvander en historia om ett märkligt barndomsminne utspelat ombord på Burt Reynolds och Lonnie Andersons gamla yacht. I minnet styr yachten in i tjock dimma och känslan som kommuniceras är, åtminstone i denna lyssnares öron, ogenomtränglig ensamhet. Det ensamma barnet står öga mot öga med en ogästvänlig verklighet. ”I’m on a yacht in the fog and no one knows”, mässar Kjellvander. ”Tidal Wave”, spår två, är mer av ett klassiskt låtsnitt. Här möter Kjellvander anno A Village: Natural Light Pelle Ossler anno Krank. Till gnisslig, atmosfärisk…well, doom country…sjunger Kjellvander fantastiska rader som redan känns som klassisk country-lyrik: ”I want my tombstone to say ‘I’m not in a better place’/’cause there can no better place/than somewhere on earth/with you by my side”. ”Tidal Wave” stack tidigt ut som ett av skivans bästa spår, medan tredjespåret, ”Loneliest Woman on Earth”, är den låt som haft svårast att hävda sig. Under många lyssningar försvann den, kändes anonym. Den växer med tiden, men griper trots allt inte tag som övriga.

Kjellvandertonbruket - Press 2020

En låt som emellertid omedelbart och utan minsta tvivel kändes som något alldeles extra var avslutningsspåret, 21-minuters-eposet ”Natural Behavior in a Cutting Garden, Parts I, II, III”. Här kanaliseras och möts David Lynch, Angelo Badalamenti, Charles Bukowski, Nic Pizzolato, Thåström och Nick Cave i en enda lång, febrig och jävligt hårdkokt noirhistoria. Tonbrukets malande, ambienta mörkerjazz sveper in Kjellvanders lysande novell (det här kan man inte kalla låttext, det är verkligen en novell) om en omöjlig relation med en omöjlig kvinna, utspelad i en bil på ändlösa highways på väg mot ett oklart mål och bort från allt som skulle kunna fjättra en. ”Natural Behavior” lyckas med att vara både klaustrofobisk och obehaglig och frihetstörstande och inspirerande. Man vill inte byta plats med någon av karaktärerna i den där bilen, men man fattar var de kommer ifrån och varför de gör som de gör. Och man relaterar ändå, och sitter som på nålar. Därför känns de där 21 minuterna som…fem.

När jag först hörde talas om det här projektet kände jag instinktivt att det skulle bli väldigt bra. Bara epitetet ”doom country” gjorde mig nipprig. Och jag fick rätt. Skivan är precis så bra som dess titel lovar. Att allt på den dessutom är live och förstatagningar är omöjligt att fatta. Jag blir förvånad om jag i december, när jag ska summera året, inte placerar den högt på listan över årets bästa album.

Betyg: 9/10

Bästa låt: ”Natural Behavior in a Cutting Garden, Parts I, II, III”

Om ni gillar detta: Bohren & Der Club of Gore – Sunset Mission, Songs: Ohia – Didn’t It Rain